Постимпрессионизм

сверху вниз: Поль Сезанн, Большие купальщицы, 1895

Винсент ван Гог, Ирисы,1889

Поль Гоген, Что нового?, 1892

Постимпрессиони́зм (фр. postimpressionisme, от лат. post — «после» и «импрессионизм») — общее название течений в живописи конца XIX — начала XX веков, возникших во Франции как реакция на импрессионизм.

В основе — отказ от эстетики импрессионизма и реализма в пользу новых направлений, основанных на контрасте цветов и технике рисунка. Отрицая сиюминутность сюжетов произведений импрессионистов, новое движение концентрировалось на длительных состояниях жизни, сочетая материальное и духовное, прибегая к стилизации и декоративности и отвергая реалистичное, прямое подражание природе.

Постимпрессионисты работали в личных, глубоко индивидуальных стилях, многие из которых впоследствии стали отдельными направлениями в живописи.

Возникновение термина

Большинство художников, которых называют «постимпрессионистами», жили и работали во Франции, однако сам термин впервые употребил историк искусства британец Роджер Фрай.

В 1910 году, работая над выставкой французских авангардистов, Роджер Фрай столкнулся с весьма непростой задачей: придумать определение для группы очень разных художников, в творчестве которых отсутствовал явный общий знаменатель. Именно поэтому название должно было быть емким и четким, точно отражающим разнообразие представленной французской живописи. В результате творческих мучений появилась тема «Мане и постимпрессионизм».

Подробности о названии выставки стали известны лишь в 1945 году, когда один из организаторов, Десмонд Маккарти (Desmond MacCarthy), поведал следующее:

Я, Роджер и один молодой журналист, желавший помочь нам с рекламой, встретились, дабы решить, как нам назвать выставку. Именно тогда и появилось это слово, сейчас уже закрепившееся в английском языке — „постимпрессионизм“. Роджер хотел использовать термин, подчеркивающий отличие этих художников от импрессионистов; среди предложенных им вариантов был и „экспрессионизм“. Но журналисту все эти термины не нравились. В конце концов Роджер, теряя терпение, заявил: „Ладно, давайте их назовем просто постимпрессионистами, они ведь уже после импрессионистов идут“

Импрессионизм и постимпрессионизм

Главное отличие постимпрессионистов от импрессионистов состояло в том, что они отвергали метод только зрительного наблюдения и изображения лишь внешности, поверхности явлений жизни. Художники хотели вернуть искусству то, от чего отказались импрессионисты: содержание, размышление, стремились восстановить связь с художественными традициями прошлого, в том числе классическими.

Однако постимпрессионизм неотделим от импрессионизма. Это две фазы периода разложения традиционной академической системы и перехода к искусству XX века.

Художники постимпрессионизма

Каждый из мастеров-постимпрессионистов работал самостоятельно и искал свой собственный путь в искусстве. Они не входили, как импрессионисты, в единую группу. Художников объединяло лишь стремление по-своему переработать и использовать открытия импрессионистов в области цвета, композиции, техники живописи, раздельного мазка и др. Этот принцип позволяет искусствоведам достаточно вольно классифицировать творчество каждого отдельно взятого живописца.

Все источники, посвященные теме постимпрессионизма, без колебаний выделяют отцов-основателей направления: Поля Сезанна, Винсента ван Гога и Поля Гогена. Дальнейший список может варьироваться. Например, авторы Популярной художественной энциклопедии добавляют имя Анри де Тулуз-Лотрека, а составители Современной иллюстрированной энциклопедии — Жоржа Сёра.

Поль Сезанн

Поль Сезанн (1839—1906) называл своё искусство «размышлением с кистью в руках». Он участвовал в первой выставке импрессионистов 1874 г., но вместе с тем он никогда не принимал их идеи безоговорочно, а все его творчество пронизывает приверженность наследию старых мастеров.

Основную проблему как старой, так и современной живописи, Сезанн видел в стремлении художников создать изображение, «словно увиденное через статичный объектив». Полагая, что скрупулёзное копирование не способно передать реальность, художник изучал объекты с разных точек зрения. Он стремился не фиксировать, как импрессионисты, ускользающее мгновение или, как старые мастера, вид в одной проекции, но изображать предметы максимально правдиво. Изображать не то, что он видит, но то, как именно он это видит. Отсюда вытекали радикально новые художественные принципы — во-первых, искажение традиционной прямой линейной перспективы и стремление связать трехмерный мир с двухмерной плоскостью картины, а во-вторых, иная природа живописи.

По представлению художника, живопись складывается из двух составляющих — геометрической структуры природных форм и колорита. В каждом предмете Сезанн пробовал выявить его геометрическую основу. Если говорить о натюрмортах, то яблоки на его полотнах становились шарами, груши — конусами, а кувшины или бутылки — цилиндрами. То же касается и пейзажей: Сезанн стремился свести изображения разных объектов к последовательности геометрических фигур. В отличие от импрессионистов, которые словно растворяли предмет в градации света и цвета, Сезанн стремился вернуть ему массу, форму и твёрдость.

Свои поиски он сформулировал так: «Все в природе лепится в форме шара, конуса, цилиндра; надо учиться писать на этих простых фигурах, и, если вы научитесь владеть этими формами, вы сделаете все, что захотите. Нельзя отделять рисунок от красок, нужно рисовать по мере того, как пишете, и чем гармоничнее становятся краски, тем точнее делается рисунок. При наибольшем богатстве красок форма неизменно достигает своей полноты».

Самые известные картины: «Пьеро и Арлекин», «Игроки в карты», «Большие купальщицы», «Натюрморт с драпировкой», «Персики и груши», «Мужчина с трубкой», «Автопортрет».

• 

  Поль Сезанн, фото 1899 года

• 

  Пьеро и Арлекин, 1888-90, холст, масло, Москва, Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина

• 

  Игроки в карты, 1894-1895, холст, масло, Париж, Музей Орсе

• 

  Гора Сент-Виктуар, 1896-1898, холст, масло, Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж

• 

  Натюрморт с драпировкой, 1895, холст, масло, Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж

• 

  Автопортрет, 1875, холст, масло, Париж, Музей д`Орсе

Винсент ван Гог

Винсент Ванг Гог (1853—1890) давал свое определение живописи. Он считал, что настоящие художники не повторяют вещи такими, какие они есть, а чувствуют себя этими предметами, поэтому и творят.

Целью искусства художника-самоучки стало самовыражение, а не подражание природе. Цвет в его творчестве становится главным выразителем эмоций. Ван Гог считал, что есть цвета, которые «любят», и есть такие, что «ненавидят» друг друга. Поэтому их контраст или гармония способны выразить разнообразные духовные состояния художника. Мазок Ван Гога тоже делается носителем эмоций.

«В моих мазках нет никакой системы, — писал Ван Гог своему младшему брату Тео. — Я кладу их на холст неравномерными ударами кисти и оставляю как есть. Кое-где получается пастозность, кое-где полотно не закрашено, есть незаконченные места, следы поправок, грубость, но в результате, по-моему, получается впечатление достаточно волнующее, чтобы вызвать досаду у людей с предвзятыми представлениями о технике. Тени на картине отсутствуют, а цвет наложен плоскостно, как на японских гравюрах».

Но больше всего Ван Гог известен своими густыми мазками. Такая техника называется импасто (художник наносит толстый слой краски на холст, мазки становятся более заметными, что добавляет картине особую фактуру). Он любил наносить густой, не разведенный цвет кистью или мастихином. Иногда мастер писал свои цветные завитки, размазывая пальцем краску, наложенную на холст. Работы Ван Гога обладают рельефной, почти трехмерной поверхностью. Они выглядят по-разному, в зависимости от источника освещения.

Самые известные картины: «Звёздная ночь», «Едоки картофеля», «Спальня в Арле», «Ночное кафе», «Церковь в Овере», «Красные виноградники в Арле», «Автопортрет с отрезанным ухом и трубкой», «Ночная терраса кафе», «Подсолнухи», «Цветущий миндаль».

• 

  Винсент ван Гог с девочкой, фото 1887 года

• 

  Подсолнухи, 1888, холст, масло, Лондон, Лондонская национальная галерея

• 

  Цветущий миндаль, 1890, холст, масло, Амстердам, Музей Винсента ван Гога

• 

  Звёздная ночь, 1889, холст, масло, Нью-Йорк, Музей современного искусства

• 

  Автопортрет перед мольбертом, 1887, холст, масло, Амстердам, Музей Винсента ван Гога

• 

  Спальня Винсента в Арле, 1888, холст, масло, Амстердам, музей Винсента ван Гога

Поль Гоген

Поль Гоген (1848—1903) используя распространённое сравнение искусства с зеркалом, утверждал, что в его произведениях отражается не внешний вид изображаемых фигур и предметов, а духовное состояние художника. В 1891 г. он уехал на Таити, пленившись примитивной жизнью полинезийских племен, которые сохранили, по его мнению, безмятежный покой, первозданную чистоту и цельность, присущие детству человечества. Стремясь приблизиться к художественным традициям туземного искусства, Гоген пришел к обобщению формы, её плоскостному решению, ярким краскам, орнаментальному характеру композиции. Гоген преднамеренно нарушал перспективу, он писал, не сообразуясь с воздействием световоздушной среды, как импрессионисты, а преображая реальную природу в декоративный красочный узор. Художник усиливал интенсивность тонов, ибо его интересовали не цвет травы в определённом освещении, в конкретное время суток, как Клода Моне, а цвет травы вообще. Он не пользовался светотеневой моделировкой, а накладывал цвет ровными плоскостями, в контрастном сопоставлении. Гоген понимал цвет символически, поэтому заменял реальный цвет натуры на фантастический. Он стилизовал форму предметов, подчеркивая нужный ему линейный ритм. Плоскостность, орнаментальность, яркость красочных пятен, декоративность искусства Гогена позволила назвать его стиль ковровым.

Самые известные картины: «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?», «Женщина, держащая плод», «Борьба Иакова с ангелом», «А ты ревнуешь?», «День божества».

• 

  Поль Гоген, фото 1891 года

• 

  А ты ревнуешь?, 1892, холст, масло, Москва, Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина

• 

  Женщина, держащая плод, 1893, холст, масло, Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж

• 

  День божества, 1894, холст, масло, Чикаго, Институт искусства

• 

  Портрет ван Гога, рисующего подсолнухи, 1888, холст, масло, Амстердам, Музей Винсента ван Гога

• 

  Портрет художника с желтым Христом, 1890, холст, масло, Париж, Музей д`Орсе

Жорж Сёра

Жорж Сёра (1859—1891) долго изучал академическую живопись, а затем и открытия современных мастеров. К тому же художник много читал и вскоре, как и другие постимпрессионисты, стал сомневаться в принципах импрессионизма: ведь живопись, цель которой — мгновение, не может говорить о вечном. С одной стороны, Сёра хотел сохранить яркую палитру и повседневные сюжеты импрессионистов, а с другой, — привнести структуру и прочность: систематизировать новаторские цветовые решения, сделать формы более конкретными и разбавить их натурализм научной методологией.

Часть искусствоведов выносят творчество художника за рамки постимпрессионизма, поскольку он является основателем дивизионизма — жанрового направления в живописи, которое так же носит названия неоимпрессионизм и пуантилизм.

Сёра использовал импрессионистскую палитру несмешанных цветов, но отказался от произвольных мазков и заменил их тщательно выверенными точками. Причем цвета выбирались с противоположных сторон цветового круга, чтобы они, из-за контраста, раскрывались в максимальной полноте.

В глазах зрителей, находящихся на некотором расстоянии от картины, мазки сливались, образуя яркое красочное полотно. С оптической точки зрения художник изучил возможности красок для создания более темных или более светлых оттенков. Причем главным в его экспериментах было не соответствие полученной гаммы естественным краскам природы, а достигаемый их игрой особый декоративный эффект.

Жорж Сёра невысоко ценил значение индивидуальности, считая, что искусство нужно теоретизировать, вычленить определённые закономерности, а дальше абсолютно любой сможет создавать шедевры.

Самые известные картины: «Воскресный День на Острове Гран-Жатт», «Купальщики в Аньере», «Цирк», «Канкан», «Пудрящаяся Девушка».

• 

  Жорж Сёра, фото 1888 года

• 

  Воскресный День на Острове Гран-Жатт, 1884-1886, холст, масло, Чикаго, Институт искусств

• 

  Эйфелева башня, 1889, холст, масло, Сан-Франциско, Музей изобразительных искусств

• 

  Цирк, 1891, холст, масло, Париж, Музей д`Орсе

• 

  Канкан, 1889-1890, холст, масло, Оттерло, Музей Крёллер-Мюллер

• 

  Сена у острова Гран-Жатт, 1888, холст, масло, Брюссель, Королевский музей изящных искусств

Анри де Тулуз-Лотрек

Анри де Тулуз-Лотрек (1864—1901) — тонкий психолог и блестящий портретист, он делал героями своих картин самых разных людей, изображая их в повседневной обстановке. В своих произведениях он не гонялся за прямым сходством с оригиналом, и стремился передавать не столько внешнее, сколько глубинную внутреннюю суть того, что хотел изобразить. Порой его портреты больше напоминали шарж, но современников неизменно поражало, что по прошествии нескольких лет модель обретала почти полное сходство с картиной — как будто художник умел видеть сквозь время и точно угадывать, как человек станет выглядеть в будущем.

Анри постоянно пребывал в состоянии творческого поиска и работал быстро и много. Его техника зачастую приближалась к плакатному жанру, поэтому Тулуз-Лотреку нередко заказывали афиши и рекламные плакаты для театров и кабаре.

Переняв технологические усовершенствования в области литографии, Лотрек создал свой стиль — броский, строящийся на эффекте внезапности: на неожиданности сопоставлений предельно обобщенных плоских силуэтов, изящных и грубых форм. Визуально резкими были и контрастные скачки в масштабных соотношениях, ритмический рисунок, непривычная фрагментарность композиции. Экспрессия четких контуров — то круглящихся, то напряженно-угловатых — сочеталась с остротой цветовых сочетаний. Работая над афишами, он вынужден использовать ограниченное количество цветов, которые накладываются плоскими пятнами. Это усиливает его склонность к неожиданным и рискованным решениям и в конце концов становится характерной чертой его творчества.

Самые известные картины: афиша Мулен-Руж, афиша Жанны Авриль, «Танец в Мулен-Руж», афиша кабаре «Японский диван», «Ла-Гулю».

• 

  Анри де Тулуз-Лотрек, фото 1894 года

• 

  Афиша "Мулен-Руж", 1891, бумага, литография, Индианаполис, Художественный музей Индианаполиса

• 

  Афиша "Японский диван", 1893, бумага, литография, Лондон, Музей Виктории и Альберта

• 

  Певица Иветт Гильбер, 1894, картон, масло, эссенция, Москва, Музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина

• 

  Ла-Гулю с подругами входит в Мулен-Руж, 1892, масло, картон, Нью-Йорк, Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА)

• 

  В "Мулен-Руж", 1892-1895, холст, масло, Чикаго, Институт искусств

Последователи постимпрессионизма

• Скандинавский постимпрессионизм — три влиятельных художника-представителя постимпрессионизма в Скандинавии: норвежские художники Эдвард Мунк, Петер Крейер, датчанин Вильгельм Хаммерсхей.
• Британские постимпрессионисты - Camden Town Group — сообщество художников, основанное в 191 году в Лондоне, специализировалась на реалистических сценах городской жизни, выполненных в различных направлениях постимпрессионизма. Представители группы: Гарольд Гилман, Роберт Беван, Спенсер Гор, Чарльз Исаак Гиннер.
• Группа семи — канадские пейзажисты, которые создавали смелые, необычные картины, обращались к символизму в изобразительном искусстве. Живописцы: Франклин Кармайкл, Том Томсон, Артур Лизмер, Лионель Фицджеральд, Лоурен Харрис, Эдвин Холгейт.
• Группа двадцати — бельгийская группа прогрессивных художников, скульпторов и писателей, базирующихся в Брюсселе. Собрались для обсуждения, создания и демонстрации авангардного искусства.

Влияние постимпрессионизма на искусство

Объединённые общей художественной целью, художники-постимпрессионисты выработали индивидуальные живописные стили и, безусловно, оказали значительное влияние на формирование искусства последующих поколений.

Без изобретений Сезанна в области перспективы и его интереса к простым геометрическим формам был бы совершенно немыслим кубизм. Его изобразительные приемы — упрощение деталей — нашли свое отражение в архитектуре Ле Корбузье, конструкциях Баухауса, творчестве Пита Мондриана. Не даром Пикассо сказал о Сезанне: «Он был всем нам как отец».

Винсент Ван Гог, изображавший правду внутреннего состояния, предвосхитил своим творчеством другое значительное художественное направление XX века. Его экспрессионистский подход — контрастные цвета, импасто, метод «перекручивания» — стал визуальной находкой, помогшей сформироваться экспрессионизму. «Крик» Мунка стал квинтэссенцией нового направления.

Гоген наращивал интенсивность палитры и искажал цвета ради сюжета. Ведь большинство из них у него окрашены мистическими или религиозными настроениями. В этом весь символизм художника.

Сёра же сыграл огромную роль в формировании неоимпрессионизма, течения, стремившегося объединить творчество с научными достижениями. В самом деле, художник считал возможным объяснить искусство с научной точки зрения. Отсюда, во-первых, увлеченность теорией цвета, которая привела его к дивизионизму, а во-вторых, точность и продуманность композиционных построений.

Таким образом, все художники стремились к ясности своего художественного языка. Стиль каждого из них стал результатом многочасовых работ, тщательных размышлений и опыта всей жизни. Они стремились к упрощению сложного, чтобы придать своему творчеству осмысленность первоначального замысла, в котором композиция, форма и цвет гармонично объединены. Все вместе и каждый по отдельности, они определили вектор развития всего искусства XX века.

Литература

1. Ревалд Дж., Постимпрессионизм, (пер. с англ., Л.-М., 1962); В. Н. Прокофьев, Постимпрессионизм. (Альбом), М., 1973
2. Популярная художественная энциклопедия : Архитектура. Живопись. Скульптура. Графика. Декоративное искусство [Текст] : [в 2 т.] / редкол.: В. М. Полевой (гл. ред.) и др. — Москва : Советская энциклопедия, 1986

Ссылки

• Феномен постимпрессионизма © Artifex.ru
• ПОСТИМПРЕССИОНИЗМ

Данная статья имеет статус «готовой». Это не говорит о качестве статьи, однако в ней уже в достаточной степени раскрыта основная тема. Если вы хотите улучшить статью — правьте смело!