Главные стили в искусстве ХХ века

Главные стили ХХ века — фовизм, экспрессионизм, кубизм, футуризм, абстракционизм, дадаизм, сюрреализм, метафизическая живопись, поп-арт, оп-арт, акционизм, лэнд-арт и стрит-арт.

Большинство течений в искусстве были откликом художников на исторические события, политические и общественные настроения, на развитие философских идей. ХХ век был насыщен разными знаковыми событиями — от появления фотографии, научно-технического прогресса в целом и до глобальных исторических катаклизмов. Цель данной статьи заключается в том, чтобы сформировать представление об основных характерных чертах отдельно взятого стиля, указать его отличия от других, а также выделить знаковые фигуры в искусстве ХХ века.

Фовизм (1904—1908)

Фовизм (от фр. fauve — дикий) — течение в искусстве, получившее своё название благодаря французскому арт-критику Луи Вокселю, который в своей статье о Парижском Осеннем салоне 1905 года охарактеризовал фовистов как «дикие звери», а их творения — «оргией цветов».

Особенности стиля. Художников данного стиля объединяет любовь к цвету. Они используют яркие, чистые, контрастные цвета и чёрный контур. Задача цвета заключается в выражении эмоций, настроения. Художники-фовисты отказались от линейной перспективы и светотени, что привело к исчезновению объёма; характер рисунка стал плоскостной. Фовисты не видели смысла в классическом, академическом рисунке. Главное — спонтанность творчества, экспрессия, эмоциональная насыщенность. Видение художника доминирует над реальностью: не важно как выглядит и какого цвета предмет на самом деле, главное то, как его видит творец. Фовистские полотна наполнены буйством красок, дикой энергетикой. Сюжеты картин у фовистов не новы, отчасти банальны. Популярные жанры живописи — пейзаж, натюрморт, портрет. Главные инструменты выражения эмоций у живописцев данного течения — это цвет и форма.

Знаковые фигуры фовизма: Анри Матисс (глава группы), Андре Дерен, Морис де Вламинк, Альбер Марке, Рауль Дюфи, Жорж Руо и другие. В Русском искусстве в стиле фовизма работали Наталья Гончарова, Михаил Ларионов.

На фовизм повлияли постимпрессионизм (Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Поль Сезанн), неоимпрессионизм (Поль Синьяк, Жорж Сёра), символизм (Гюстав Моро).

Рассвет фовизма — 1904—1908 годы. Далее дороги художников разошлись, каждый из них продолжил экспериментировать, искать иные формы творческого самовыражения. Как течение фовизм локален, считается почти полностью французским. Несмотря на непродолжительное существование, фовизм оказал влияние на развитие последующих течений в искусстве.

• 

  Альбер Марке, "Гавань в Ментоне", 1905

• 

  Альбер Марке, "Вид на парижскую набережную Лувра", 1906

• 

  Отон Фриз, "Пейзаж в ла-Сьота", 1907

• 

  Отон Фриз "Анделийские купальщицы", 1908

• 

  Маргарита Зорах, "Человек среди секвойи", 1912

• 

  Меродак-Жанно, "Клоун с голубым шаром", 1906

• 

  Наталья Гончарова, "Бабы с граблями", 1907

• 

  Поль Гоген, "Три таитянки", 1896 (постимпрессионизм, повлиял на фовизм)

• 

  Винсент Ван Гог, "Ирисы", 1889 (постимпрессионизм)

Экспрессионизм (1905—1920)

Экспрессионизм (от англ. expression — «выражение») — течение в искусстве, характерное прежде всего для Германии, и Австрии; возникло накануне Первой мировой войны, в период массового роста революционных настроений в обществе как реакция на капитализм, дисгармонию между человеком и миром. Экспрессионисты раньше других почувствовали приближение страшной катастрофы, ощутили несовершенство и противоречивость окружающего мира.

Особенности стиля. Для экспрессионизма характерно трагическое мировоззрение, осмысление человека в мире, последствий урбанизации. Для реализации творческих замыслов использовались новаторские методы: искажение форм и линий, неестественные яркие цвета, абстрактные формы, преувеличения и упрощения. Экспрессионисты стремились вызвать у зрителя шквал эмоций. Основная идея экспрессионизма сводилась к демонстрации бездушия современного мира, а созерцание произведений данного направления вызывает у зрителя депрессию, трагическое ощущение жизни, психологическую напряжённость, тревогу, боль.

Знаковые фигуры экспрессионизма:

• объединение художников "Мост" (Германия, год создания — 1905), в которую входили Эрнст Людвиг Кирхнер, Карл Шмидт, Эрик Хекель, Фритц Блейл, Эмил Нолде, Макс Пекштайн и др.;
• объединение художников "Синий всадник" . (Германия, год создания — 1911). в которое входили Франц Марк, Василий Кандинский, Август Маке, Марианна Верёвкина, Алексей Явленский , Август Маке, Альфред Кубин. Художников данного объединения отличает меньшая эмоциональность;
• Эдвард Мунк (Норвегия);
• Эгон Шиле (Австрия);
• Амадео Модельяни, Жорж Роу (Франция);+
• Марк Шагал, Юрий Пименов, Павел Филонов (Россия);
• Клиффорд Стилл, Джексон Поллок, Ханс Хоффман (США).

Предшественниками экспрессионизма можно назвать некоторые работы Эль Греко и Маттиаса Грюневальда, которым была присуща предельная эмоциональность. Сильные выражения чувств, принцип упрощения перспективы присутствуют на картинах Винсента Ван Гога, Анри Матисса, А. Тулуз-Лотрека.

Значение в искусстве. С приходом к власти Гитлера, экспрессионисты подверглись гонениям. Их искусство официально объявили «дегенеративным», работы массово уничтожались, выставки были под запретом. Падение интереса к экспрессионизму начался в период стабилизации в послевоенной жизни людей. Люди устали от негатива, по этой причине воспринимать художественные произведения экспрессионистов было тяжело, возникла потребность в более оптимистичном творчестве. Экспрессионизм прошёл тернистый путь от полного неприятия и нападок до современного мирового признания.

• 

  Эдвард Мунк, "Крик", 1893

• 

  Э. Л. Кирхнер, "Уличная сцена в Берлине", 1913

• 

  Василий Кандинский, Мурнау, 1908

• 

  Франц Марк, "Синяя лошадь", 1911

• 

  Франц Марк, "Бык", 1911

• 

  Август Маке, "Русский балет", 1912

• 

  Марианна Верёвкина, "Фантастический пейзаж", 1917

• 

  Марианна Верёвкина, "Женщины в чёрном", 1910

• 

  Марианна Верёвкина, "Трагическая атмосфера", 1910

• 

  Эгон Шиле, "Автопортрет", 1911

• 

  Оскар Кокошка, "Сила музыки", 1918

• 

  Хаим Сутин, "Цветы и рыба", 1912

• 

  Марк Шагал, "Белла в белом воротничке", 1915

• 

  Франц Марк, "Большие голубые лошади", 1911

Кубизм (1907—1914)

Кубизм (от фр. cubisme) — узнаваемый геометрический стиль.

Особенности стиля. Для кубизма характерно использование геометрических форм, узкий круг сюжетов (портреты, натюрморты), деформация, угловатость, полное отсутствие реалистичности. Все объекты часто изображаются в виде плоских прямоугольников. Цветовая гамма приглушена, правила перспективы и светотени не используются. Кубисты и их последователи отрицали трёхмерную реальность. В результате творческих экспериментов появляются новые формы, линии, контрасты.

Выделяются три фазы кубизма: сезановский, аналитический и синтетический. Сезановский кубизм (1907—1909 г.) — предтеча кубизма, для которого характерно увлечение абстракцией и упрощением форм предметов. Аналитический кубизм (1909—1912) характеризуется необычными переливами цветов. Цвета становятся полупрозрачными, когда плоскости пересекаются. Художники экспериментируют с расположением предметов в пространстве. Картины кажутся монохромными за счёт снижения контрастов фактуры и цвета. Синтетический кубизм (1912—1914) ещё называют коллажным кубизмом. Полотна напоминают аппликацию или лоскутные одеяла. Синтетический кубизм отличается красочным исполнением, на полотнах появляются ноты, цифры и буквы. В России кубизм был переходным явлением. Художники остановились на сезановском этапе и его переосмыслении. К.С. Малевич и В. Е. Татлин стремительно переметнулись к кубофутуризму.

Современный футуризм используется в рекламе спортивных и модных брендов, музыкальных событий и техники. В стиле кубизма создаются логотипы, привлекающие внимание людей.

Знаковые фигуры кубизма. Пабло Пикассо, Жорж Брак, Фернан Леже, Робер Делоне, Хуан Грис, Альбер Глез, Жан Метценже.

• 

  Пабло Пикассо, "Утренняя серенада", 1942

• 

  Пабло Пикассо, "Танец с покрывалами", 1907

• 

  Хуан Грис, "Портрет Пикассо", 1912 (аналитический кубизм)

• 

  Хуан Грис, "Гитара", 1913 (синтетический кубизм)

• 

  Л. С. Попова, "Натурщица. Стоящая фигура", 1913 (аналитический кубизм)

• 

  Анри Ле Фоконье, "Плуманак", 1908 (сезановский кубизм)

• 

  Казимир Малевич, "Женщина с вёдрами", 1912

• 

  Казимир Малевич, "Лампа (музыкальные инструменты)", 1913

• 

  Пабло Пикассо, "Герника", 1937

• 

  Робер Делоне, "Окна", 1912

• 

  Робер Делоне, "Бегуны", 1930

• 

  Логотип компании, оформленный в стиле кубизма.

Футуризм (1909—1920)

Футуризм (от лат. future — будущее) — течение авангардного искусства, получившее распространение в Италии и России. Футуризм прославлял технологический прогресс, наступающую индустриальную эпоху. Футуристы предлагали создать новую модель устройства мира, основанную на урбанизации и технического прогресса.

Особенности стиля. У фовизма футуризм позаимствовал буйство цвета, а у кубизма — художественные формы с множеством раздробленных фигур и острых углов. Форма — это основной предмет интереса футуристов, содержание произведений вторично. Художники-футуристы пытались изобразить предмет в движении, передать его динамику, скорость. Сюжеты картин имели философский подтекст, акцент делался на техническом прогрессе и теме войны. Новые признаки технической цивилизации преподносили как новые ценности, которые предопределят будущую модель мироустройства. Наиболее часто футуристы изображают поезда, автомобили, электричество. Стремились изобразить визуально звук.

Знаковые фигуры футуризма. Изначально футуризм возник в Италии. Итальянские футуристы в отличие от экспрессионистов с энтузиазмом встретили начало Первой Мировой войны, ушли на фронт добровольцами, поскольку в войне видели радикальный способ очищения мира от старого миропорядка. Популярность итальянского футуризма быстро угасла к концу Первой Мировой войны. Известные итальянские футуристы: Джакомо Бела, Умберто Боччиони, Луиджи Русоло, Джино Северини, Франческа Балилла Прателла.

В других европейских странах футуризм не нашёл развития, однако, в России был воспринят с интересом. Давидом Бурлюком была создана литературно-художественная группа «Гилея», куда вошли многие энергичные сторонники футуризма как среди художников, так и среди поэтов. Российские футуристы сделали попытку соединить живопись с литературой. Теме одиночества человека в современном мире придавалось особое значение. Футуризм в России просуществовал дольше, чем в Италии — до начала 20-х годов. Имена российских футуристов: Давид Бурлюк, Наталья Гончарова, Михаил Ларионов, Велимир Хлебников, в стиле футуризма также работал Казимир Малевич.

• 

  Наталья Гончарова, "Велосипедист", 1913

• 

  В. В. Хлебникова-Митурич, "Русалка", 1920

• 

  Давид Бурлюк, "Приход весны и лета", 1914

• 

  Давид Бурлюк, "Балерина", 1910

• 

  Умберто Боччони, "Восставший город", 1910

• 

  Джозеф Стелла, "Битва огней", 1913

• 

  Фортунато Деперо, "Вспашка", 1926

• Balla - Mercurio passa davanti al sole.jpg

  Джакомо Балла, "Меркурий проходит перед Солнцем", 1914

• 

  Умберто Боччони, "Динамизм велосипедиста", 1913

• 

  Луиджи Руссоло, "Восстание", 1911

Абстракционизм (1910 — наше время)

Абстракционизм (от лат. abstractio — отвлечение) — стиль в искусстве, отвергающий реалистичное воспроизведение окружающего мира.

Особенности стиля и знаковые фигуры абстракционизма. При первом взгляде на картину, создаётся впечатление хаоса из множества нагромождённых фигур, линий, пятен. При вдумчивом изучении изображения зритель начинает видеть целостную композицию, призванную вызвать определённые эмоции. Различают два вида абстракции:

• экспрессивная — характеризуется плавными текучими линиями, яркими цветами, музыкальностью. Художники стремились достичь эффекта, который производила бы на слушателя музыка.
• геометрическая — ей присущи острые углы, космическое пространство вне времени, чёткие геометрические формы.

Внутри абстракционизма выделяют ещё ряд течений:

• лучизм(второе название течения — районизм, от фр. rayon — луч) — оригинальная художественная теория и течение живописи русского авангарда 1910-х годов. Формы на полотне образованы в результате пересечения лучей, отражённых от различных предметов. Характерные черты произведений лучистов — обилие косых линий, часто собранных в пучки, резкие контуры, острые углы, акцент на цвете, а не на форме. Возник в 1909 году и просуществовал одно десятилетие. Основоположники лучизма — Михаил Ларионов с Натальей Гончаровой. В стиле лучизма работали Владимир Бурлюк и Давид Бурлюк, Михаил Ле-Дантю, Сергей Романович.
• орфизм — авангардное течение в искусстве, получившее название от имени древнегреческого певца и музыканта Орфея. Согласно мифам, игра Орфея на лире зачаровывала животных, а его музыка способна была двигать камни. Главная цель орфизма — запечатлеть на холсте движение и музыкальность окружающего мира. Для её достижения использовали контрастные тона. Данное течение имеет много общего с кубизмом и футуризмом, но в отличие от них, цвет выходит на первое место, а форма остаётся позади. Основоположник орфизма Робер Делоне, его последователи: Соня Делоне, Франтишек Купка, Франсис Пикабиа.
• ташизм, 1940—1950-е годы (фр. tache — пятно) — живопись цветовых пятен. Художники, подчиняясь своему эмоциональному состоянию, настроению, наносили на холст хаотично яркие пятна краски. Если краски наносились кистью, цветными штрихами или небольшими мазками, то такой ташизм относится к абстрактному импрессионизму. Применение красочных брызг и капель, соскабливания слоя краски, элементов каллиграфии присуще лирической абстракции. Чаще всего пятна яркие, светлые, вызывающие приподнятые и лёгкие эмоции. Отдельные изображённые элементы ритмически повторяются. Родоначальником стиля считается Вольс. Художники-ташисты: Ханс Хартунг, Жорж Матьё, Асгер Йорн, Пьер Сулаж, Никола де Сталь.
• супрематизм (от лат. supremus — главенствующий, наивысший) — одно из влиятельных направлений абстрактного искусства. Супрематизм основан на философской концепции Казимира Малевича. Согласно его философии, сущность высшей формы искусства — беспредметность, осмысленная через ощущения. Отказ художников от разумного восприятия мира даёт возможность попасть в «четвёртое измерение» и запечатлеть его с помощью супрематических знаков. Структура мироздания в супрематизме выражена в простых геометрических формах: линии, прямоугольнике, круге, квадрате. В отличие от предметного искусства, супрематизм призван передать сами ощущения в их чистом виде. Казимир Малевич свою знаменитую картину «Чёрный супрематический квадрат» считал первоосновой, поскольку с помощью такой простой геометрической фигуры мог выразить любые чувства: покой и движение, мистические переживания, передать ощущение бездны, «пустыни небытия», где нет объектов и отсутствуют границы. Последователя супрематизма были:Иван Клюн, Михаил Меньков, Ксения Богуславская. В теоретических основах К. Малевич выделял три стадии супрематизма:

1. чёрный (круг, квадрат, крест) — переход от базисного элемента к рождению новой формы, а затем к движению;
2. цветной — движение с ускорением;
3. белый — формы растворяются и теряются на белом фоне, в результате — пустой холст как символ чистоты творчества.

• неопластицизм , 1917 год - художественное направление, основанное на философии дуальности мира. Дуальность мира создавалась в живописи с помощью базовых фигур — прямых линий, плоскостей и прямоугольников, исключительно чистых цветов спектра (красный, синий и жёлтый) и только на белом или чёрном фоне. Базовые элементы обязательно пересекаются под прямым угол друг с другом. Горизонтальные линии — это упрощённый образ оси Земли. Вертикальные линии — это оси Солнца. Последователи неопластицизма пытались раскрыть красоту через логику и упрощение форм. Основатель неопластицизма Пит Мондриан, последователи стиля — Де Стейл, Ван Дусбург, Геррит Ритвельд, Энтони Кок, Барт ван Дер Лек.

• абстрактный экспрессионизм (от лат. слов abstractio, expressio — «отвлечённое выражение») — направление в искусстве 1940—1950-х годов, для которого характерно спонтанное отображение художником своих переживаний и внутреннего мира. Художники данного направления полагаются целиком не бессознательное, свободное от логики и контроля разума. Творчество абсолютно беспредметное. В абстрактном экспрессионизме применяются разные техники, методы. Ряд произведений близки к экспрессионизму, иные — близки футуризму, кубизму или сюрреализму. Отличительные черты стиля: полное отсутствие на картинах предметов реального мира, сильная эмоциональная напряжённость произведений, огромные размеры картин. Особое развитие абстрактный экспрессионизм получил в Нью-Йорке, США. Знаковые фигуры стиля: Джексон Поллок, Виллем де Кунинг, Марк Ротко.

Значение абстракционизма в искусстве. Отголоски лучизма прослеживаются в конструктивизме и супрематизме. Идеи супрематизма нашли своё применение в интерьере, внешнем облике зданий и даже в модельером искусстве. Идеи неопластицизма нашли отражение в текстиле и моде, в интерьере, в архитектуре

• 

  Наталья Гончарова, " Кошки (в розовом, чёрном и жёлтом цветах)", 1913 (лучизм)

• 

  Михаил Ларионов, "Районные сосиски и скумбрия", 1912 (лучизм)

• 

  Михаил Ларионов, "Красно-синий районизм", 1911 (лучизм)

• 

  Роберт Делоне, "Ритмы", 1934 (орфизм)

• 

  Роберт Делоне, "Ритм, радость жизни", 1930 (орфизм)

• Paysage Landscape (1953) - Nicolas de Stael (1914 - 1955) (44640034661).jpg

  Николя де Сталь, "Пейзаж", 1953 (ташизм)

• 

  Ханс Хартунг, " Т46-17", 1946 (ташизм)

• 

  Казимир Малевич, "Чёрный супрематический квадрат", 1915 (черный супрематизм)

• 

  Казимир Малевич, "Супрематическая композиция", 1915 (цветной супрематизм)

• 

  Казимир Малевич, "Растворяющиеся белые самолёты", 1917 (белый супрематизм)

• 

  Иван Клюн, "Беспредельное по принципу свет-цвет",1921 (супрематизм)

• 

  Пит Мондриан, "Композиция с жёлтым, красным, синим и серым", 1920 (неопластицизм)

• 

  Пит Мондриан, "Композиция №11 с жёлтым, красным и синим", 1940 (неопластицизм)

• 

  Платье от Ив Сен-Лорана и неопластицизм Пьера Мондриана, 1965

• 

  Оформление интерьера в стиле неопластицизма

• 

  Джексон Поллок (абстрактный экспрессионизм)

• 

  Марк Ротко, "Финал", (абстрактный экспрессионизм)

• 

  Виллем де Кунинг, "Без названия", 1976 (абстрактный экспрессионизм)

Дадаизм (1916—1923)

Дадаизм — название стиля происходит от слова «dada», которое может означать многое, и одновременно быть абсолютно бессмысленным, как детский лепет ребёнка. Данное слово по-разному переводится с разных языков мира:

• dada — конёк, детская лошадка (итальянское);
• dada — хобби, увлечение (французский);
• dada — давать (португальский);
• dada — никто (шотландский и ирландский) ;
• daddy — папа (английский);
• dado -данный, настоящий (испанский).

Дадаизм — авангардный стиль искусства, возник в годы Первой мировой войны в Швейцарии, государства, сохранившего суверенитет. Дадаистов объединяло неприятие войны и ненависть к агрессивной политике воюющих европейских государств. Войну воспринимали как порождение логики и рационализма. В своём творчестве пропагандировали разрушение эстетических канонов, цинизм, разочарованность, бессистемность и иррациональность.

Особенности стиля. Дадаизм — это стиль, реализующий концепцию бессмысленности. Описать его можно словами абсурд, хаос, ирония. Коллаж — основной творческий метод художников. Для коллажа использовались различные материалы: лоскуты ткани, бумажные обрезки и прочие материалы. Выделяют три ветви дадаизма:

• цюрихский (случайный) коллаж. Кусочки бумаги приклеивали на холст так, как они случайным образом упали. В основе случайного коллажа лежат абсурд и антихудожественность;
• берлинский (манифестационный) коллаж и фотоколлаж. Отличительные черты стиля — использование фрагментов фотографий, мощная идейная насыщенность, антивоенный и антибуржуазный протест;
• кёльнско-ганноверский (поэтический) коллаж — приверженцы данного стиля использовали противоположные друг другу материалы, тем сам как бы сталкивали чужеродные реальности. Только при столкновении разных миров может вспыхнуть поэзия.

Для дадаизма характерно использование типографики заглавными и прописными буквами, использование разных шрифтов, цвета. Даже без текста по коллажу можно прочитать основной посыл художника. Изображения размещаются на холсте хаотично: верх ногами, друг над другом, по диагонали, как угодно.

Знаковые фигуры дадаизма. Создателями стиля считаются Ханс Арп, Тристан Тцара и Ханс Рихтер. В Нью-Йорке (США) у истоков дадаизма стоял Марсель Дюшан, который ввёл понятие «рэди-мейд» (от англ. ready-made — готовый) для обозначения своих произведений, представляющих собой предметы утилитарного обихода и представленные на выставке как отдельный объект искусства.

Значение в искусстве. Просуществовал дадаизм недолго. В Германии он слился с экспрессионизмом, а во Франции — с сюрреализмом. В настоящее время дадаизм используется креативными рекламными компаниями молодёжных брендов одежды, дизайна ивентов, создания визуального образа стартапов. Коллажи отлично подходят для плакатов, книжных обложек. Используется при создании логотипа компании, при оформлении визиток, сайтов, салонов красоты и кофеен, а также при разработке дизайна упаковок.

• 

  Тео Ван Дисбург, "Манифест дадаизма", 1931 (дадаизм поэтический)

• 

  Тео Ван Дусбург и Курт Швиттерс, "Вечер небольших данных", 1922

• Thumbnailhdf.jpg

  Оформление вэб-сайта в стиле дадаизма

• 

  Софи Тойбер-Ап, "Гостиница", 1927

• 

  Ханс Арп, "Коллаж", 1919

• 

  Софи Тойбер Арп, "Голова", 1919

• 

  Педро Мейер Альфред Жарри, "Король Убу на велоспорте", 2016 (техника смешивания бумаги и холста)

• 

  Коллаж в стиле дадаизма, 2017

• 

  Марсель Дюшан, "Фонтан"

• 

  Марсель Дюшан, "Подставка для бутылок"

• 

  Марсель Дюшан, "Велосипедное колесо", 1913

• 

  Жан Арп, "Созвездие по законам случайности"

Метафизическая живопись (1910—1920)

Метафизическая живопись— это направление в итальянском искусстве, фантастическая живопись, изображающая то, что невозможно увидеть. Возникла в период Первой мировой войны.

Особенности стиля. Отличительными чертами метафизической живописи являются:

• насыщенность картин символами и аллюзиями;
• искажённость форм предметов и пространства;
• нелинейная перспектива;
• присутствие в картинах вместо живых людей манекенов и статуй;
• удлинённые тени;
• обилие классических архитектурных элементов;
• нет динамики образов. Образы как будто застыли во времени

Знаковые фигуры метафизической живописи. Джоржо де Кирико — основатель течения, Карло Карра, Филиппо де Пизис, Альберто Савинио, Джорджо Моранди, Феличи Казорати, Артуро Мартини.

Значение в искусстве. Метафизическая живопись быстро угасла, многие приверженцы стиля вернулись к реализму. Тем не мене, идеи метафизической живописи были подхвачены сторонниками сюрреализма.

• 

  Джорджио де Кирико, "Орфей-уставший трубадур", 1970

• Carrà - L'amante dell'ingegnere.jpg

  Карло Карра, "Любовница инженера", 1921

• 

  Альберто Савинио, "Поэт", 1931

Сюрреализм (1920—1970)

Сюрреализм (от франц. surrealisme — сверхреализм) — это течение берёт начало от дадаизма. Дадаизм был направлен на разрушение всего, включая себя самого. В отличие от дадаизма, сюрреализм стремиться к созиданию через разрушение. Сюрреализм — это сон, он не реальный, но и не ирреальный. В стиле используются аллюзии и парадоксальное сочетание несочетаемого, реального и вымышленного, визуальный обман, галлюцинации. Твёрдые предметы на полотнах текучие, а вода наоборот твёрдая. В отличие от многих направлений в искусстве ХХ века, сюрреализм смог прожить пол века и стать знаменем эпохи, хотя за эти 50 лет своей жизни стилю довелось претерпеть не один кризис. В 70-е годы интерес к сюрреализму гаснет.

Особенности стиля. Сюрреалистические мотивы использовали в своих работах мастера Эпохи Возрождения, например, Иероним Босх, Джузеппе Арчимбольдо. На развитие сюрреализма огромное значение оказал психоанализ Зигмунда Фрейда. Сюрреалисты разделяли мнение психолога о важной роли подсознания. Сон — это продолжение реальности, объективной реальности, которая не ограничена цензурой и не навязана идеями сознания. Основоположник сюрреализма Луи Бретон говорил, что от гнетущей реальности некуда бежать, кроме как в детство, сон и фантазии. Научное обоснование своим идеям сюрреалисты находили в философии Фридриха Ницше. Сюрреалисты признавали главенство подсознания над сознанием и считали важнейшей ценностью свободу иррационального восприятия мира. С целью проникнуть в подсознание, художники обращались к гипнозу, алкоголю, наркотикам.

Характерные черты стиля:

• сочетание реального и нереального (подсознательного);

• эпатажность, вызов устоявшимся канонам;
• частое обращение к эротическим и магическим мотивам.

Знаковые фигуры сюрреализма. Сальвадор Дали, Хуан Миро, Макс Эрнест, Рене Магритт, Пауль Клее, Ив Танги.

Значение в искусстве. Сюрреализм нашёл отражение в дизайнерском искусстве. Модельеры для повышения интереса обращаются к сюрреализму, в своих коллекциях используют необычные текстуры, формы, образы. Впервые метод сюрреализма в высокой моде использовала Эльза Скиапарелли, ей создавать коллекции помогал Сальвадор Дали. В современном мире с развитием цифровых технологий сюрреализм обрёл второе дыхание. Создание сюрреалистических репродукций с использованием элементов фотографии вылилось в новое направление компьютерного искусства. Сюрреалистические фотографии используются в рекламном бизнесе, поскольку способны вызывать у покупателя нужное продавцу ассоциативное восприятие.

• 

  Сальвадор Дали, "Слоны", 1948

• Rene Magritte, 1964.jpg

  Рене Магрит, "Сын человеческий", 1964

• Magritte René François Ghislain - Les amants (1928).jpg

  Рене Магрит, "Влюблённые", 1928

• 

  Дарья Щерба, "Выключи свет, мы едим макароны",

• 

  Виллем ден Бродер, "Мозговая цепочка", 2001

• 

  Марион Аднамс, "Альтер эго", 1945

• 

  "Потеря памяти", автора не знаю

• 

  Исмаэль Нери, " Сюрреалистическая композиция", 1929

• 

  Иероним Босх, "Сад земных наслажений", фрагмент, 1490-1510 (предтеча сюрреализма)

• 

  Джузеппе Арчимбольдо, "Вертумнус, Бог времен года", 1591 (предтеча сюрреализма)

• 

  Джанни Сарконе, "Второе лицо Парижа", 1998, фотография

Поп-арт (1950—1960)

Поп-арт (от англ. popular art популярное искусство) — это художественное движение зародилось в Великобритании, но широкое распространение получило в США. В 1952 году в Лондоне художники Э. Паолоцци и Р. Гамильтон создали объединение «Независимая группа» для изучения технологий рекламы и способов влияния на массовое сознание при помощи образов: эмблем, логотипов, фотографий знаменитостей. Поп-арт перенёс потребительскую культуру в область искусства. Данный стиль наибольшее развитие получил в Америке (США), где массами овладела "американская мечта", по сути национальный потребительский идеал. Поп-арту предшествовали дадаизм и реди-мэйд Марселя Дюшана.

Особенности стиля. Поп-арт основан на изображении лёгкого и поверхностного. Ведущую роль в развитии направления играли американская массовая культура: реклама, мода, тренды, иконы стиля. В поп-арте большое внимание уделяли «эстетике банального» — упаковке, товарам массового потребления. С художественной точки зрения стиль апеллировал к вещности, к предметности, что противоположно абстракционизму. Поп-арт провозгласил возвращение к отображению на полотне конкретных предметов. Но в отличие от классического искусства, в качестве объектов художники изображали предметы и образы массовой культуры, предметы, ставшие мэмами. Художники намеренно использовали яркие цвета, стилизовали свои работы под рекламу, афиши, плакаты, комиксы; вписывали в свои картины слоганы или создавали из мэмов коллажи.

Знаковые фигуры поп-арта. Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, Том Вессельман, Роберт Раушенберг, Дэвид Хокни, Кит Харинг.

Значение в искусстве. Поп-арт оказал влияние на развитие рекламы. Китч (от нем. kitsch — халтурка, безвкусица, дешёвка) стал полноценным художественным инструментом. Поп-арт подготовил почву для концептуализма и постмодернизма.

• 

  Энди Уорхол, обложка журнала Amiga Addict, вып 20

• 

  Выставочный плакат Боба Стэнли, 1965

• 

  Рой Лихтенштейн, "Поцелуй", 1964

• 

  Рой Лихтеншьейн, "Ввам!", 1963

• 

  Сильвия Клипперт, "Мик Джаггер"

• 

  Ричард Огастин, "Святая корова"

• 

  Яванский носорог в деловом костюме, громко кричащий и прижавший руки к щекам при виде обвала цен на акции. Написан в стиле Энди Уорхола

• 

  Королева Елизавета II в стиле поп-арта

Оп-арт (вторая половина ХХ века)

Оп-арт (оптическое искусство) — это художественное течение, использующее оптические иллюзии.

Особенности стиля. С помощью узоров, форм, цветов и материалов художники оп-арта стремятся создать явления, которые сбивают зрителя с толку и создают впечатление деформаций, скрытых изображений и движущихся или вспыхивающих узоров. Основной вопрос стиля: важнее восприятие или искусство? Искусство оп-арта воздействует на разум, а не на эмоции. Человек, рассматривая картину, решает сложную головоломку, соединяет разрозненные детали картины в единое целое.

Знаковые фигуры оп-арта. Виктор Вазарелли, Бриджет Райли, Хесус Рафаэль Сото, Джетулио Альвиани, Ричард Анушкевич.

Значение в искусстве. Оп-арт хорошо прижился в моде. Монохромные геометрические принты идеально дополняли смелые силуэты. Соединение разнообразных цветов и трёхмерного изображения привлекали модниц. Интерес к оптическим иллюзиям прослеживается в современном мире. Иллюзии часто применяются в архитектуре, в дизайне помещений.

• 

  Джанни Сарконе, "Гипнотичекие флюиды", 1997

• 

  Джанни Сарконе, "Мистическая летучая мышь", 2013

• 

  Джейкоб векслер, "Торс", 1968

• 

  Джейкоб Векслер "Формы в пространстве", 1982

• 

  Виктор Вазарели, "Югославская марка", 1986

• 

  Виктор Вазарели, "Сверхновые", 1959-1961

• 

  Логотип рено, 1972-1992

• 

  Бриджит Райли, "Поток", 1964

• 

  Хесус Рафаэль Сото, "Сото-сфера"

• 

  Хесус Рафаэль Сото, "Жемчужный дождь"

Акционизм (1960—1970)

Акционизм (от лат. actio — действие) — это направление в искусстве, для которого важен не результат, а художественный процесс. Несмотря на то, что акционизм может предполагать наличие сценария, элемент непредсказуемости сохраняется. Это опыт, проводимый впервые и всегда сопровождается психологическими рисками. Акционизм — искусственно созданная художником ситуация, которую он проживает и вовлекает в эту ситуацию зрителя. Как явление, акционизм существовал всегда и нельзя назвать точную дату его возникновения.

Различают следующие формы искусства, близкие к акционизму:

• хэппенинг (от англ. happening — происходящее) основан на импровизации, не имеет чёткого сценария, предполагает вовлечение случайных зрителей. Хэппенинг — это спровоцированное действие, а не организованное. Большое значение отводится импровизации, дающей выход различным бессознательным побуждениям;

• энвайронмент (от англ. environment — окружение, среда) — предполагает вовлечение зрителя в художественное действие, даже незаметно для него самого. Энвайронмент — это обширная пространственная композиция, охватывающая зрителя наподобие реального окружения;
• перформанс — это спланированная акция (действие), включающая в себя 4 элемента: время, место, тело художника и отношения художника со зрителем. Перформанс направлен на активизацию «коллективного бессознательного» у публики. Это некая форма спонтанного уличного театра;
• инсталляция (от англ. installation — установка) — пространственная композиция, создаваемая художником из различных элементов. Необычные сочетания обычных вещей придают им новый символический смысл;
• бодиарт - искусство тела. Представители бодиарта использовали своё тело как материал или объект для творчества. Бодиарт сблизился с такими явлениями, как тату, нудизм, сексуальная революция;
• флешмоб (от англ. flash — вспышка, mob — толпа) — означает заранее спланированную акцию, в которой большая группа людей внезапно появляется в общественном месте, в течении некоторого вида выполняют заранее оговоренные абсурдные действия и так же внезапно расходятся разные стороны. Флешмоб — это представление, рассчитанное на случайного зрителя.

Знаковые фигуры акционизма. В 1950-1960х основоположниками акционизма можно считать Джексона Поллока (он рисовал свои картины при скоплении людей путем разливания, разбрызгивания, растирания красок по холсту) и Ива Кляйна(он придумал глубокий синий цвет, который использовал для создания картин с помощью «живых кисточек» — обнаженных женских тел). Клас Ольденбург, Анатолий Зверев, Гюнтер Брус, Отто Мюль, Герман Нитч, Рудольф Шварцкоглер, Марина Абрамович, Олег Кулик, Мануэль Бастанте.

Значение в искусстве. Цель акционизма заключается в том, чтобы показать зрителю абсурдность окружающего мира, истинную сущность вещей. Акция — это своеобразное зеркало для отражения реальности, интерактивная связь художника со зрителем. Акция способствует постижению сути происходящего, избавлению от иллюзорного мира.

Лэнд-арт (с 1960-х годов)

Лэнд-арт — это интеграция художественных элементов в природный ландшафт, а также использование природных процессов как составляющей создаваемого художественного объекта. Работы в стиле ленд-арта обычно недолговечны и демонстрируются публике в определённые сроки. Часто произведения искусства возникают в местах, труднодоступных человеку. Добраться к произведению сможет только самый искушённый зритель, если ещё успеет. Для остальных зрителей произведения фиксируются с помощью фото- и/или видеосъемки и выставляются в обычных музеях.

Особенности стиля:

• произведения искусства неразрывно связаны с природным ландшафтом, взаимодействуют и сливаются друг с другом;

• внимание к проблемам экологии;
• использование художниками природных материалов (земли, камня, песка, воды и др);
• на эстетику стиля повлияли архаические памятники, такие как Стоунхендж, рисунки Наска.

Знаковые фигуры лэнд-арта. Роберт Смитсон, Ричард Лонг, Джим Деневан, Элли Девис, Саймон Бек, Кристо Уолтер де Мария, Нил Доусон.

Значение в искусстве. Лэнд-арт существует в реальном мире, а значит принадлежит всем. Невозможно представить объект лэнд-арта в частной коллекции или в стенах музея. Художники открывают для себя безграничные возможности природы. Современный лэнд-арт набирает популярность среди городских жителей.

• 

  Стоунхендж, прототип лэнд-арта

• 

  Геоглифы Наска. Перу (прототип лэнд-арта)

• 

  Кристо и Жанна-Клод, "Ворота" - объект лэнд-арта в Центральном парке Нью-Йорка

• 

  Роберт Смитсон, "Спиральная дамба"

• 

  "Красная лупа 03", Тенне

• 

  Лэнд-арт Ледро 26

• 

  Фестиваль лэнд-арта в Таоюане, сентябрь 2014

Стрит-арт

Стрит-арт (от англ. street art — уличное искусство) — это направление в современном урбанистическом искусстве, распространённые в местах общественного присутствия. Многие произведения стрит-арта имеют социальную направленность, выражают протест и призваны привлечь внимание людей к важным проблемам общества.

Особенности стиля. Стрит-арт отличается идейным разнообразием и большим количеством жанров. Данный вид искусства доступен любому человеку, так как не прячется в стенах музеев и на выставках. Произведения стрит-арта могут иметь бунтарский характер, иметь цель пропагандирования определённой субкультуры, а также служить для украшения городского пространства. Уличное искусство в ряде случаев граничит с вандализмом, выраженном в порче муниципального имущества. Стрит-арт имеет несколько видов:

• надписи — это стилизованные художником надписи, отличающиеся между собой шрифтами, цветовым решением и прочими показателями;
• рисунки — как правило, отличаются продуманным сюжетом;
• трафареты — используются для многократного тиражирования изображений;
• муралы — это огромные художественные композиции на стенах домов, заборов. Служат для украшения города. часто приветствуются местными властями.

История возникновения стрит-арта связана с появлением граффити.

Граффити(от итал. graffito — надписи или graffiare — царапать) — это разновидность уличной живописи, выраженная в раскрашивании стен вне зависимости от уровня профессионализма нанесения изображений. До сих пор не понятно относить ли граффити к искусству или считать актом вандализма.

Техники граффити:

• writing — процесс нанесения граффити без привязки к стилю;
• bombing — быстрое нанесение рисунка в экстремальных условиях;
• tagging — подпись художника, его никнейм.

Стили граффити:

• bubble-letter — использование больших букв и объемных форм;
• throw-up — использование двух цветов и простых форм;
• character — изображение персонажей в стиле автора-графист;
• wild style — предполагает нанесение сложных рисунков, требует большого мастерства, является наиболее распространённым стилем;
• 3D-style — изображение в стиле 3D , а также оптические иллюзии.

Знаковые фигуры стрит-арта. Артур Стейси, Кит Хэринг, Жан-Мишель Баския, Бэнкси, Шепард Фейри, С215.

Значение в искусстве. В современном мире красиво оформленные произведения стрит-арта, особенно муралы, украшают города, делают их яркими и привлекательными для жителей и туристов.

• 

  Уличное искусство

• 

  Бэнкси, "Голубь мира", 2008

• 

  Бэнкси, "Криминальное чтиво, бананы"

• 

  Бэнкси, "Горничная"

• 

  Бэнкси, "Я не в постели и одета, чего ещё ты хочешь?", 2002

• 

  Граффити, Жан-Мишель Баския

• 

  Граффити в стиле throw-up

• 

  Граффити в стиле bubble-letter

• 

  Граффити в стиле wild stile

• 

  Мурал "Полив сада"

• 

  Мурал "Девушка на пляже"

• 

  Мурал, роспись стены старого дома

• 

  Мурал на стене дома в Самарканде

• 

  Мурал Торвальда Хеллесена

Примечания

Данная статья имеет статус «готовой». Это не говорит о качестве статьи, однако в ней уже в достаточной степени раскрыта основная тема. Если вы хотите улучшить статью — правьте смело!